15 najpoznatijih slika Hrvatskih umjetnika

Slikarstvo se može nazvati jednom od najvažnijih sastavnica ruske kulture. Veličanstveni krajolici, povijesni događaji, portreti poznatih ličnosti i običnih ljudi, umjetnički predmeti-sve se to odrazilo na djela istaknutih umjetnika. Mnogi od njih, zahvaljujući izvanrednom talentu i marljivom radu, postali su poznati ne samo kod kuće, već i u mnogim drugim zemljama svijeta. U ovom ćemo izboru pogledati petnaest najprepoznatljivijih remek-djela Hrvatskih majstora slikarstva.

Pregled najpoznatijih slika Hrvatskih umjetnika

Nominacija	mjesto	Djelo	ocjena
Pregled najpoznatijih slika Hrvatskih umjetnika	1	“Vitez na raskrižju”, Viktor Vasnetsov	5.0
2	“Kozaci”, Ilja Repin	4.9
3	“Konjanica”, Karl Brjulov	4.9
4	“Demon koji sjedi”, Mihail Vrubel	4.8
5	“Kristovo ukazanje narodu”, Aleksandar Ivanov	4.8
6	“Nejednaki brak”, Vasilij Pukirev	4.7
7	“Stigli su topovi”, Aleksej Savrasov	4.7
8	“Lovci na zaustavljanju”, Vasilij Perov	4.7
9	“Heroji”, Viktor Vasnetsov	4.7
10	“Djevojka s breskvama”, Valentin Serov	4.7
11	“Posljednji dan Pompeja” Karla Brjulova	4.6
12	“Tegljači na Volgi”, Ilja Repin	4.5
13	“Bojar Morozov”, Vasilij Surikov	4.5
14	“Nepoznato”, Ivan Kramskoe	4.5
15	“Jutro u borovoj šumi”, Ivan Šiškin i Konstantin Savitski	4.5

“Vitez na raskrižju”, Viktor Vasnetsov

Ocjena: 5.0

Slika “Vitez na raskrižju” postala je prekretnica u životu umjetnika Vasnetsova, određujući daljnji smjer razvoja njegova djela. Prije toga već je bio poznat kao peredvizhnikov slikar, ali uspjeh platna potaknuo ga je da mnoga daljnja djela posveti ruskoj epskoj temi. Ideja za slikanje ove slike pojavila se početkom 1870 – ih, a zatim je Vasnetsov, nakon čitanja radnje “Ilja Muromets i razbojnici”, stvorio prve skice. Ali konačna verzija, koja je preživjela do našeg vremena, dovršena je tek 1882. godine. Vitez prikazan u prvom planu smrznuo se u mislima pred kamenom, natpis na kojem piše: “kako se ravno vozim-ne živim – Nema puta ni prolazniku, ni prolazniku, ni prolazniku”. Daljnji dio natpisa, koji kaže da će “poslati jahati-oženiti se; nalev jahati-biti bogat”, djelomično je istrošen, dijelom obrastao mahovinom. Tako je autor platna želio figurativno pokazati beznađe viteškog puta, jer je njegova sudbina samo u bitkama na bojnom polju. Cjelokupni dramatični karakter kompozicije naglašen je ležećim ostacima drugog jahača i konja, kao i crnim vranama. Zanimljiv detalj-jahač u rukama drži pješačko koplje, to simbolizira spremnost junaka da se bori pješice, čak i nakon gubitka ratnog konja.

“Kozaci”, Ilja Repin

Ocjena: 4.9

Budući da je Ilja Repin rođen i odrastao u Čugujevu, provinciji Harkov, živo ga je zanimala povijest Ukrajine, njezini običaji, a posebno Kozaci. Stoga je, čuvši na svjetovnom prijemu povjesničara Dmitrija Javornickog o pismu Zaporoških kozaka turskom sultanu, odmah odlučio zabilježiti ovaj događaj na platnu. Prema legendi, na kraju stoljeća, nakon poraza vojske Seča od 15-tisućite vojske Turaka, sultan Mahmud iz Kine poslao je poruku ZAPOROŠKIM kozacima u kojoj se nazvao “namjesnikom Božjim” i naredio da se dobrovoljno preda. Kao odgovor, slobodoljubivi Kozaci, pod vodstvom poglavara Ivana sirka, sastavili su ironično pismo, iznoseći u njemu cijelu svoju zalihu uvredljivih metafora i opscenog jezika. Je li veliki turski “brat sunca i mjeseca” dobio ovo jedinstveno djelo epistolarnog žanra, nije poznato, ali je zauvijek ostalo u povijesti. Prije nego što je počeo raditi na slici, Repin je otišao u Ukrajinu kako bi temeljito proučio kulturu Kozaka Zaporoškog Siča. Zahvaljujući tome, opća atmosfera i pojedinačni detalji poput oružja i odjeće odgovaraju stvarnosti opisanog vremena. Umjetnik je diplomirao 1891. godine, 13 godina nakon što je stvorio prvi nacrt olovkom. Platno je za veliku svotu kupio car Aleksandar IPASINO, kasnije je nagrađeno zlatnim nagradama na izložbama u Njemačkoj i Mađarskoj.

“Konjanica”, Karl Brjulov

Ocjena: 4.9

Karl Brjulov s pravom se smatra jednim od najboljih predstavnika ruskog romantizma. Njegov portret “konjanika” oduševljava detaljima, savršenim proporcijama, kombinacijom izraza i spokoja. Slika je naslikana 1832. za groficu Juliju Samoilovu, koju je Brjulov upoznao u Rimu. Djevojka na konju i djevojka u ružičastoj boji koja joj je istrčala u susret su Giovannina i Amacilia, učenice grofice. Umjetnik je majstorski prenio dinamiku radnje, svi glumački likovi na platnu su u pokretu. Uz to, namjerno je odabrao kontrastne tonove, što mu je omogućilo da vizualno naglasi sliku jahačice. Nakon završetka rada na slici predstavljena je na izložbi na Akademiji likovnih umjetnosti Brera sa sjedištem u Milanu. Talijani su bili oduševljeni stvaranjem ruskog umjetnika, povjesničari umjetnosti stavili su ga u rang s van Dijkom i kunaensom, rekavši da svijet još nije vidio tako vješto izveden konjički portret. Sljedećih godina slika je bila u osobnoj zbirci grofice Samoilove, sve do 1893. godine, kada je kupljena za Tretjakovsku galeriju.

“Demon koji sjedi”, Mihail Vrubel

Ocjena: 4.8

Slika tužnog demona koji sjedi Vrubelu nadahnuta je Lermontovom pjesmom “Demon”, za čije je jubilarno izdanje umjetnik stvorio trideset ilustracija. Glavni lik slike kombinira ogromnu snagu naglašenu mišićavim, napetim tijelom i duševnu patnju koja je jasno izražena na njegovom licu. Sjedeći na vrhu planine, mladi div čeznutljivo promatra rasplamsavajući zalazak sunca u živom svijetu, čiji on sam nije dio. Demon je okružen bizarnim stijenama i eteričnim bojama koje izgledaju više poput kristala. Ovaj mrtvi krajolik nadopunjuje melankolično raspoloženje stvoreno slikom lika i njegovom pozadinom poznatom iz pjesme. Zanimljivo je da je demon odjeven u plavu odjeću koja se tradicionalno povezuje s plemenitošću i božanstvom, A Isus Krist često je prikazan u plavim haljinama. Ova boja nije odabrana slučajno, govori o nebeskom podrijetlu junaka platna. U razumijevanju autora, demon nije negativan lik, već simbol buntovne duše koja ne nalazi odgovor na svoje sumnje. Budući da nije samo talentirani slikar, već i kipar, Vrubel je stvorio sliku u svom omiljenom fasetiranom stilu, zahvaljujući čemu pomalo podsjeća na vitraž. Da bi postigao sličan učinak, umjetnik je nanio ravne velike poteze nožem za paletu.

“Kristovo ukazanje narodu”, Aleksandar Ivanov

Ocjena: 4.8

Ivanova fascinacija biblijskim zapletima započela je u ranim fazama njegova stvaralaštva i potpuno ga progutala nakon dolaska u Rim. Tamo je umjetnik proučavao svete tekstove, precrtavao Michelangelova remek-djela i sve više razmišljao o ideji stvaranja vlastitog platna, koje je trebalo postati sredstvo prenošenja kršćanskih ideja kroz umjetnost. Započevši rad na slici 1837. godine, dovršio ju je punih 20 godina kasnije. Ivanov pristup bio je vrlo inovativan za svoje vrijeme, jer je podrazumijevao odstupanje od kanona akademizma i fokusiranje gledatelja na emocionalnu komponentu. Za radnju je odabran jedan od najvažnijih biblijskih događaja, opisan u prvom poglavlju Evanđelja po Ivanu – prvo pojavljivanje Krista pred vjernicima. U procesu pisanja svog djela umjetnik je napravio oko šest stotina studija, od kojih je većina kasnije prodana u muzejske i privatne zbirke. Svaki lik platna pažljivo je razrađen, neki su za realizam slike imali prave prototipove. Na primjer, osoba s izražajnim pogledom, koja stoji pola okreta prema Mesiji, kopirana je s Nikolajem Gogolom. Putnik s osobljem koji sjedi u blizini Ivana je sam Ivanov. Ali osnova za Isusov izgled bili su crteži mozaika iz Palerma, skulptura Apolona Belvederea i… žensko lice. Nakon završetka platna, umjetnik ga je brodom doveo u Sankt Peterburg. Zanimljivo je da zbog svoje velike veličine (750 puta 540 centimetara) slika nije stala u spremište i morala ju je postaviti izravno na palubu. Na Ivanovo razočaranje, njegovo životno djelo nije impresioniralo njegove suvremenike, bilo je preduboko i inovativno za to razdoblje. Međutim, nakon slikarove smrti, sliku je kupio sam car Aleksandar izaslanik, koji ju je kasnije poklonio muzeju rumjancev.

“Nejednaki brak”, Vasilij Pukirev

Ocjena: 4.7

Vasilij Pukirev tijekom svog života stvorio je mnoge slike u raznim žanrovima: krajolike, portrete, povijesne predmete, ali samo mu je jedno od djela osiguralo univerzalnu slavu. Ovo je, naravno, platno “nejednaki brak”, naslikano 1862. godine. Jasno je osvijetlio hitan problem obespravljene situacije mladih djevojaka koje su se vjenčale po dogovoru za nevoljene, ali imućne i najčešće stare udvarače. Gotovo svaki drugi brak sklopljen je iz razloga financijske dobiti ili položaja u društvu. Na slici je slika mladoženje u oštrom kontrastu s portretom mladenke: izgleda oholo i hladnokrvno, ona se jedva drži kako ne bi zaplakala ili se onesvijestila. U pozadini Stariji Muškarci, očito mladoženjini prijatelji, bez ceremonije gledaju mladenku, očito odobravajući unosnu “akviziciju”. Posebnu pozornost zaslužuje mladić prekriženih ruku s desne strane, krajnje sličan samom Pukirevu. Prema suvremenicima, umjetnik je inspiraciju crpio iz svoje osobne drame, a prototip za mladu mladenku bila je Praskovja Varentsova, djevojka u koju je Pukirev bio zaljubljen i koja se udala za bogatog starijeg dužnosnika. Predstavljena na izložbi u Sankt Peterburgu, slika na aktualnu temu odmah je privukla pozornost javnosti. Ubrzo je za ovo djelo Vasilij Pukirev dobio titulu profesora slikarstva.

“Stigli su topovi”, Aleksej Savrasov

Ocjena: 4.7

Budući da je bio jedan od umjetnika Peredvizhniki, Savrasov je u svojim djelima posvetio veliku pažnju Hrvatskim krajolicima. Svoje poznate “topove” naslikao je 1871. godine, nakon putovanja u selo Molvitino (sada Susanino) provincije Kostroma. Stara crkva Molvitinskoga uskrsnuća (sagrađena u stoljeću Naina) postala je prototip hrama na slici. Cijela je radnja izuzetno jednostavna, ali savršeno prenosi stanje prirode koje prethodi skorom dolasku proljeća u selo. Na platnu nema svijetlih boja, naprotiv, prevladavaju sive i smeđe nijanse, vladaju smirenost i svakodnevica. Središnji likovi, naravno, su topovi, neki od njih su još uvijek u pokretu, ali ostatak je već uspio odabrati mjesta na drveću. Topovi koji su se vratili u domovinu-vjesnici topline. Odmrzavanje stajaće vode i bistro plavetnilo neba koje se probija kroz oblake nagovještavaju proljetno raspoloženje. Prikazujući topove, Savrasov ih je namjerno učinio malo većim, žrtvujući realizam kako bi udovoljio simbolizmu. Iz tamnih silueta ptica odiše misticizmom, njihova slika nehotice traži usporedbu s uskrsnućem nakon” mrtvog ” zimskog sna. Religijsko značenje može se pratiti i u drugim dijelovima platna: iza drveća nalazi se vrba, čije su grane tradicionalno služile u Rusiji za proslavu Cvjetnice. U procesu stvaranja umjetnik je koristio složenu slikarsku tehniku s kombinacijom različitih metoda nanošenja boja, koristio je obojeni temeljni premaz, ostakljenje i tako dalje. Gotovu sliku odmah je kupio kolekcionar i filantrop Pavel Tretjakov, koji ju je predstavio široj javnosti na izložbi U Zagrebu.

“Lovci na zaustavljanju”, Vasilij Perov

Ocjena: 4.7

Ovu je sliku Perov naslikao u fazi svoje kasne kreativne aktivnosti, 1871. godine. U to se vrijeme umjetnik postupno udaljio od prikazivanja teškog seljačkog života, preferirajući manje pesimistične teme. Likovi na platnu su tri lovca koji se odmaraju usred polja. Najstariji od njih, sudeći po izgledu plemića, oduševljeno vodi priču, aktivno gestikulirajući radi veće uvjerljivosti. Početnik bez daha, sluša ga, toliko je impresioniran lovačkim biciklima da je čak zaboravio na tinjajuće svjetlo u ruci kojim će zapaliti cigaretu. Treći lik, odjeven u seljačku odjeću, sluša s ironičnim smiješkom i izrazitim skepticizmom na licu. Takve priče očito mu već dugo nisu nove. Pozadina je neopisivi jesenski krajolik, što je omogućilo slikaru da se usredotoči na glavne figure djela. Iza očite komičnosti situacije krije se duboko značenje: lovci personificiraju faze životnog ciklusa osobe koja prolazi kroz entuzijastičnu mladost, iskusnu nevjerničku zrelost i starost koja idealizira sjećanja na prošlost. Autor platna, i sam strastveni lovac, detaljno je i točno prikazao divljač, oružje, kao i opremu. Međutim, rog namijenjen lovu s goničima, dok sami goniči nigdje nisu vidljivi, a šumska ptica i smeđi zec koji leže zajedno izazivaju zbunjenost. Sve je jednostavno – na taj se način Perov ruga upućenom gledatelju, jasno stavljajući do znanja da i sam, poput starijeg pripovjedača, nije nesklon uljepšavanju stvarnosti.

“Heroji”, Viktor Vasnetsov

Ocjena: 4.7

Folklorna tema bila je vrlo popularna među Hrvatskim slikarima druge polovice stoljeća, ali za većinu je postala samo zasebna prekretnica u potrazi za svojim smjerom umjetnosti, kratkotrajnim hobijem. Druga stvar je Viktor Vasnetsov, koji je cijeli život posvetio izražavanju slavenskih epova i epova na platnu. Vrhunac njegovog rada je slika “heroji”, koja je utjelovila cijeli duh ruskog naroda, kako ga je umjetnik zamislio. Počevši s malim skicama 1881. godine, naporno je radio, prikupljajući malo po malo mitove, tradicije i stvarne povijesne činjenice. Rezultat je bilo pravo remek-djelo koje je Vasnetsova proslavilo dugi niz generacija koje dolaze. Platno prikazuje tri konjanika-junaka: u središtu Ilja Muromets, s desne strane dobra Nikitič, a s lijeve strane Aljoša Popovič. Njihove slike zajedno personificiraju kreativnu snagu Rusije i pozitivne osobine ljudi koji na njoj žive. Iz Murometa puše mudrost i vjekovne tradicije, dobro utjelovljuje ponos branitelja rodnih zemalja, ali mlada Aljoša Popovič s guslima je poezija, osjetljivost na bilo kakve manifestacije ljepote. Moćni likovi vitezova stoje poput tri planine, samouvjereno i prijeteće. Pažljivo ispituju “je li neprijatelj podmukao tamo gdje vreba, vrijeđaju li slabe tamo”. Nebo prekriveno oblacima iznad njihovih glava i sivi blokovi groblja vidljivi u daljini stvaraju osjećaj približavanja opasnosti. Iako je sama slika umjetnikova mašta, vrijedi napomenuti da su svi elementi odjeće, uprtača i oružja prikazani vrlo pouzdano i odgovaraju pravim prototipovima svog vremena. Na kraju rada na ogromnom platnu (dimenzija gotovo četiri i pol puta tri metra) kupio ga je Pavel Tretjakov za svoju galeriju.

“Djevojka s breskvama”, Valentin Serov

Ocjena: 4.7

Serov je svoju najpoznatiju sliku naslikao u dobi od 22 godine, a ideja za ovaj portret došla je sasvim slučajno kada je posjetio Abramtsevo, na imanju Mamontov. Umjetnik je dugo bio upoznat s vlasnikovom kćeri verom Mamutovom, ali jednom kad je vidio ovu 11-godišnju djevojčicu kako sjedi za stolom s breskvom u ruci, iznenada je shvatio kakav portret želi slikati i tko bi trebao postati model. Najteže je bilo nagovoriti nemirno dijete da svakodnevno pozira ljeti, a ne dan ili dva, jer je trebalo nekoliko mjeseci da se stvori platno. Rezultat je bila živahna i živopisna slika koja ostavlja varljiv dojam nasumično odabranog trenutka iz svakodnevnog života, kao da je djevojka sjedila za stolom samo minutu. Dosadna pozadina okoline kontrast je s djevojčinim tamnim i rumenim licem, njezinom ružičastom odjećom, na kojoj se vijori veliki luk. Radeći na portretu, Serov je koristio tehnike impresionizma, što mu je omogućilo da sliku ispuni svjetlošću, učini je toplom i realističnom. Od predmeta u sobi posebnu pažnju privlači jelo koje visi na zidu – očito ga je napravio sam umjetnik koji je volio keramiku. Nakon što je naslikao sliku, Valentin Serov dao ju je majci Veri. Kasnije je za ovo djelo dobio nagradu Moskovskog društva ljubitelja umjetnosti.

“Posljednji dan Pompeja” Karla Brjulova

Ocjena: 4.6

Nakon završetka studija na Umjetničkoj akademiji, mladi Brjulov odlučuje se nastaniti u Italiji s ciljem proučavanja klasične umjetnosti antičkog Rima. U to se vrijeme često mora suočiti s zanemarivanjem talijanske kreativne elite i aristokracije. A kad je umjetnik vidio arheološko nalazište drevnog grada Pompeja uništenog erupcijom Vezuva, znao je da je to njegova prilika da stvori svoje veliko djelo. Brjulov je počeo raditi prikupljanjem materijala i crtanjem velikog broja skica: puno je hodao drevnim ulicama, pregledavao krhotine kuća, ostatke ljudi zapečaćene u ohlađenoj lavi. Prema grubim procjenama, na ulicama Pompeja umrlo je oko dvije tisuće ljudi. Pet godina kasnije dovršeno je platno od šest do tri metra. Prizor prikazan na njemu izveden je u stilu romantizma, unatoč užasu situacije, nema kaosa i gužve. Ljudi se mogu uvjetno podijeliti u skupine, od kojih svaka doživljava svoju tragediju na pozadini globalne katastrofe. Središnja figura kompozicije su žena i dijete koje leže na pločniku u njezinoj blizini, oni personificiraju pad drevnog svijeta i rođenje nove kulture. Slika je Brjulovu donijela široku popularnost u Europi, a kod kuće je dobio nadimak “Veliki”. Njegovo je stvaranje prepoznato kao remek-djelo Puškin, Gogolj, Lermontov i car Nikolaj izaslanik, koji je platno smjestio u Ermitaž.

“Tegljači na Volgi”, Ilja Repin

Ocjena: 4.5

Ilja Repin prvi je put vidio teglenice na poslu 1869. godine na Nevi, tada je još studirao na Umjetničkoj akademiji. Budući da je bio impresioniran, umjetnik je neko vrijeme razmišljao o ideji pisanja platna na ovu temu. Na kraju je otišao na Volgu, gdje je započeo svoju sliku skicama koje prikazuju kontrast između najamnih radnika koji vuku teglenicu i pametno odjevenih ljudi koji šetaju obalom Volge. Repin je također upoznao tegljače, promatrao ih, komunicirao s nekima tijekom odmora. Postupno je došao do reinterpretacije svoje izvorne ideje, odlučivši umjesto društvene nepravde naglasiti određene ljude i raznolikost njihovih likova. Svaki od jedanaest ljudi koji vuku teretnu teglenicu na svoj način izražava reakciju na ovo teško i očito slabo plaćeno zanimanje. Netko gleda podmuklo, s bijesom na nepravednu sudbinu, netko je filozofski miran, jedan čak uspijeva zapaliti Lulu u tom procesu. Na čelu tegljača je stariji iskusni radnik, čiji je prototip služio kao razrezani svećenik Kanin, Repinov novi poznanik. Potpuna suprotnost izdržljivom i tužno oštrom neformalnom vođi može se nazvati mladom plavokosom osobom. Nestrpljiv je i još ne zna kako se nositi s naramenicama. Tegljač je vidljiv u daljini, kao simbol tehnološkog napretka, trebao bi osloboditi ljude napornog rada, ali iz nekog razloga se ne koristi, možda su usluge tegljača puno jeftinije. Slika nakon izložbe u Sankt Peterburgu 1873. naišla je na mnoge oduševljene i negativne kritike. U kreativnom okruženju poslužila je kao značajan poticaj za početak ere realizma.

“Bojar Morozov”, Vasilij Surikov

Ocjena: 4.5

Budući da je porijeklom iz Sibira, Marmotov je dugo bio upoznat i sa starovjerstvom općenito i s “pričom o bojaru Morozovoj”. Predstavnica najviše ruske aristokracije i vlasnica velikog bogatstva, bojari su pružali aktivnu pomoć nositeljima starovjerske vjere, čime su išli protiv cara i patrijarha Nikona. Kao rezultat toga, žena je uhićena i zatvorena u samostanu, gdje je umrla od gladi. Za svoju sliku umjetnik je odabrao trenutak kada je Morozov odveden na ispitivanje. Izjednačivši se s čudesnim samostanom, prkosno pokazuje starovjersku dvokrilku okovanom rukom, jasno dajući do znanja okupljenim ljudima da se nikada neće odreći svojih uvjerenja. Prema Surkovu, razumijevanje kako najbolje stvoriti kompoziciju došlo mu je kad je ugledao vranu raširenih krila na bijelom snijegu. Osim toga, slikar dugo nije mogao pronaći prikladnu sliku za glavnog lika, sve dok slučajno nije ugledao starijeg starovjerca vrlo blijedog lica na groblju. Slika ima simbolično značenje – prikazuje masakr države nad rođenjem u cjelini, kao i odnos ljudi prema njemu. Lica ljudi okupljenih uz cestu izražavaju najširi raspon emocija: od užasa do podrugljivog prezira. Platno je debitiralo na putujućoj izložbi, a ubrzo je kupljeno za Tretjakovsku galeriju.

“Nepoznato”, Ivan Kramskoe

Ocjena: 4.5

Ova jedinstvena slika poznata je svugdje, a istovremeno se može nazvati jednom od najtajanstvenijih među kreacijama Hrvatskih umjetnika. Na platnu izrađenom u stilu realizma nalazi se mlada urbana fashionistica koja se u kolicima vozi Nevskim prospektom Sankt Peterburga. Njezina odjeća kombinacija je svega što je bilo na vrhuncu mode na kraju Aina stoljeća: kaput ukrašen krznom od Sabola i svilenim vrpcama od skupog platna, spojka od istih materijala, baršunasta beretka ukrašena biserima i nojevim perjem i masivna zlatna narukvica na ruci. Sve detalje odjeće autor prikazuje s velikom vještinom i pažnjom. Pozadina portreta su snježne ulice grada, ali su napravljene malo zamagljene kako ne bi odvratile gledatelja od modela. Sudeći po prkosno bogatoj odjeći, dama nije pripadala najvišim krugovima društva koji su slijedili određena pravila stila. Umjetnik nikada nije otkrio tajnu njezinog identiteta, iako je prema najčešćoj teoriji to bivša seljanka koja je postala supruga bogatog plemića iz Sankt Peterburga Bestuzheva. Slika je putovala u mnoge privatne zbirke, ali godinama kasnije postala je dostupna širokom krugu gledatelja i distribuirana je širom zemlje kao reprodukcije.

“Jutro u borovoj šumi”, Ivan Šiškin i Konstantin Savitski

Ocjena: 4.5

Teško je zamisliti sliku poznatiju u Rusiji od slike borove šume, čiju panoramu krase tri žustra mladunca u pratnji majke medvjeda. Šiškin je bio umjetnik koji je oštro osjećao ljepotu divljih životinja, nitko drugi nije mogao tako skladno i istodobno točno prikazati netaknutu divljinu guste šume. Umjetnik je imao široko znanje iz geologije i botanike, što mu je omogućilo da stvori remek-djelo koje kao da živi vlastitim životom. S nevjerojatnim detaljima nacrtani su reljef kore srušenog stabla, grm koji raste u blizini i nagnuti borovi. Duboka Jaruga vidljiva u daljini obavijena je gustom maglovitom izmaglicom, što daje osjećaj misterije svojstvene mjestima gdje praktički nema ljudskih naselja. Bor s kojeg je umjetnik slikao krajolik nalazi se na otoku Gorodomlja, u Tverskoj regiji. Zanimljivo je da Šiškin nije crtao nespretne i smiješne medvjediće. Savicki, izvanredan umjetnik životinja, radio je na njima. Platno je prvi put predstavljeno 1889. godine na putujućoj izložbi, a zatim ga je kupio Tretjakov. Kolekcionar je izbrisao potpis Savitskog, jer prema njegovim riječima cijeli plan pripada Šiškinu. Slika je bila široko poznata već od stoljeća prije Krista, a tijekom sovjetskog razdoblja toliko je rasprostranjena da je postala sastavni dio popularne kulture.